Sala 2 “Fede Ruiz”: Exposiciones ARTÍSTICAS
Sala de 150 m2 (planta -1) dedicada a exposiciones de artistas consagrados: pintores, fotógrafos, escultores… Se programan 4 exposiciones anuales de una duración de dos meses y medio cada una.
EXPOSICIÓN ACTUAL
“VETAS DE MADERA”
Esculturas de JAVIER GUSTRÁN
Del 5 de abril al 30 de junio
“Vetas de madera”
El artista Javier Gustrán trae a Orduña una exposición de 18 esculturas talladas en madera con temas que van desde bustos humanos a esculturas simbólicas o grabados geométricos sobre troncos de antiguas colmenas. En sus obras se combina una gran habilidad manual para la talla con una poderosa imaginación.
Esta exposición nos acerca a la tierra, a la potente evidencia de lo físico y palpable. En este caso la madera. Elemento versátil, donde los haya. Ofrece, entre otras expresiones, una interesante transformación ejercida por el paso del tiempo y la mano del artista.
Para el montaje de esta exposición se ha instalado en la sala una eficiente iluminación y nuevas peanas con lo que este espacio del museo mejora las condiciones expositivas para la escultura.
Javier Gustrán (1968)
Javier es vecino de El Regato (Barakaldo- Bizkaia).
Este artesano y escultor en madera, autodidacta, comenzó a labrar su trayectoria artística hace más de 25 años, inspirándose en todo lo que le rodea y claramente marcado por el entorno en el que vive. En sus obras se combina una gran habilidad manual para la talla con una poderosa imaginación.
Javier define así sus obras: “Partiendo de tallas en bajo relieve veo que, con el paso de los años, cada vez doy más profundidad a las piezas en las que trabajo y, es así, cuando decido dar el paso e iniciarme en la escultura, abandonando un estilo de trabajo más tradicional por uno más moderno. Soy un apasionado de la escultura figurativa. La madera la obtengo del entorno en el que vivo: de árboles caídos en los montes que me rodean, caseríos derribados y piezas destinadas a otros usos”.
Exposiciones
– Año 2016. Exposición en la antigua escuela de El Regato, (CIHMA).
– Año 2018. Exposición en la casa de cultura Clara Campoamor en Barakaldo.
– Año 2019. Exposición en la casa de cultura de Ortuella (OKE).
– Año 2022. Exposición en el Pabellón Ilgner , Barakaldo.
– Año 2022. Exposición en el Centro de Cultura Tradicional ELAI ALAI, Portugalete.
– Año 2022. Exposición en el Palacio Casa Torre de Santurtzi.
– Año 2023. Exposición en la antigua escuela de El Regato (CIHMA). ApicArte.
– Año 2024. Febrero. ApicArte. Natur gela, jardín botánico Barakaldo.
– Año 2024. Marzo. ApicArte. Edificio La Bolsa, Bilbo.
<Pulsa la foto para ampliarla>>>
EXPOSICIONES ANTERIORES
«SAKKAKU»
Proyecto fotográfico de KIKE BALENZATEGUI
Del 12 de enero al 24 de marzo de 2024
LA EXPOSICIÓN
Proyecto “Sakkaku”
<<Sakkaku (espejismo, alucinación o ilusión óptica en japonés) es la plasmación de paisajes que mi imaginario asimila a los de Japón. Es una colección de fotografías cercanas en la estética a la pintura Sumi-e.
El Sumi-e es una técnica ancestral de dibujo monocromático, basado en el uso de la tinta china, originaria de la pintura china e importada por Japón a mediados del siglo XIV. Su nombre proviene de las palabras sumi, que significa tinta, y e, pintura. Su origen se le atribuye a la dinastía Tang (618-908) y fue introducida en Japón por los monjes budistas.
Estos paisajes existen en la realidad pero no son paisajes al uso. Podemos encontrarlos en paredes y suelos de nuestras ciudades ya que son pirolusitas dendríticas cristalizadas en rocas areniscas.
Para acentuar esa sensación de paisaje japonés estas fotografías están impresas en un papel llamado washi que le confiere una textura muy especial.
El washi se elabora en Japón con fibras de arbustos locales como la corteza interior del árbol gampi, el arbusto mitsumata o el kozo. Las técnicas de elaboración del papel washi fueron declaradas Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad en 2014.
Me interesa generar esa sensación de no saber qué es lo que se muestra en mis fotografías. Básicamente se trata de un juego mendaz, mentir con la fotografía, pero hacerlo bien y con un objetivo lúdico. No tengo ningún compromiso con la realidad.>>
EL AUTOR
Kike Balenzategui, (Pamplona, 1970).
<<Viví en Estella hasta los 28 años, momento en que me trasladé a Barañáin (Navarra).
Soy Economista de formación y profesión y fotógrafo «por enfermedad». En 2007 compré mi primera réflex digital, aunque antes ya había contactado con el mundo de la fotografía de la mano de mi tío José Mari Iliberri.
CTL -Escuela de imagen y sonido de Pamplona (2014-2012-2011-2010) Photoshop, Iluminación profesional, La iluminación fotográfica en la captación digital, Fotografía profesional digital.
Pertenezco a los Colectivos navarros Punto de Catástrofe (Zizur) y Colectivo Fotográfico Higuera Argazki Elkartea (Tafalla).
Mis fotografías, como todas, mienten. Pero intento que esa mentira sea como un juego entre el espectador y yo, y como juego, espero que al menos sea entretenido. Me interesa la mendacidad del medio fotográfico.
«El equipo, la cámara, no es importante, lo importante es el proceso, que es siempre el mismo: percibir, ver y usar la máquina para captar el momento. Así es como se hace una foto y para eso da igual qué cámara uses. Si alguien me viene con una buena foto, me importa un carajo cómo la ha hecho, ¡como si la saca a través del agujero que tiene en el bolsillo! ¡Qué más da!» (Garry Winogrand)>>
Premios y menciones:
-Accésit Cartel Plaza de Toros Las Ventas (Madrid) 2012 (con Atxu Ayerra)
-Concurso Carteles San Fermín 2011 – Pamplona (con Atxu Ayerra)
– Creasport: Lorca (Murcia) 2023
– Amigos del Camino de Santiago de Galicia 2023
– Amigos del camino de Santiago Irún 2023
– Stop Violencia Vial: Durango 2023
– Enfoca Pamplona: 2º premio 2022
– Coavna: “Mirar la arquitectura”. Finalista 2022 y accésit 2019
– Conteporarte 2021: Universidad de Huelva, ganador 2021
– Ayuntamiento de Montoro (Jaén): Feria del Olivo 1er premio 2020
– Ramón Tranchero Barañain: tema Barañain 2018 e igualdad 2016
– Diario de Navarra y Banco de Santander: 1er premio San Fermín 2018
– Targazki: Tolosa Herria 1er premio 2018
– Ayuntamiento de Pamplona: 1º “Pamplona en femenino” 2018 y 2017
– Asociación Amigos del Camino de Santiago en Galicia: 1er premio 2017
– Humanity Photo Awards HPA China, “Festivities category”: Performance Award 2017 y 2014
– Fundación Cermi: 1er premio “No más esterilizaciones” Madrid 2016
– Luminosos Arga: “La Cuadrilla en San Fermín”: 2º premio 2016
– HIPA (Dubai – Emiratos Árabes Unidos): Finalista “Father and son” 2015 y “Life in colour” 2014
– Ayuntamiento Aoiz (Navarra): ganador certamen 2011 y 2015
– Concurso internacional Tiger “Borders”: finalista 2015
– Sociedad Española de Endocrinología y Nutrición: 1er premio V edición Baros (Madrid) 2015
– Ayuntamiento de Burgos: 1er premio Igualdad 2015
– Oasis Photo Contest (Turín- Italia): 1er premio “Amici di casa” 2014 y 2º en 2013
– Ayuntamiento de Burlada (Navarra): 1er premio 2014, 2015, 2017 y 2018
Exposiciones individuales
– “Sakkaku” 2023
Centro Cultural Tafalla Kulturgunea,
Sociedad Fotográfica de Gipuzkoa
Sala de Mixtos en Ciudadela de Pamplona.
-“Sakkaku” 2024
Museo de Orduña
– “Shhh!!!” 2022
Bar Kandela (Pamplona/Iruñea)
<Pulsa la foto para ampliarla>>>
“EJERCICIOS DE ESTILO”
Obras de ENCINAR MARTÍN
Del 29 de septiembre al 31 de diciembre de 2023
Luis Encinar Martín (firma sus obras como ENCINAR MARTÍN) nace en 1961 en Orduña, Bizkaia.
Creatividad y curiosidad le llevan a descubrir y explorar desde su juventud diferentes formatos artísticos como pintura, escultura, acuarela, xilografía, grabado, digigrafía, dibujo, cartelismo publicitario, ilustraciones o diseño.
LA EXPOSICIÓN
En esta exposición el artista orduñés presenta una obra muy variada en técnicas y formatos: desde 2 acrílicos de grandes dimensiones a formatos más cercanos al cuadro clásico en acuarela, acrílico y mixtos, pasando por libros desplegables en forma de espina de pez y una gran pintura (5m x 1m) sobre un soporte que permite extenderla y enrollarla.
“EJERCICIOS DE ESTILO”
“Una de las mayores dificultades que enfrenta un artista al cambiar de medio o soporte e incluso de tamaño es mantener su identidad reconocible en sus obras. Cada técnica tiene sus características y limitaciones particulares que deben ser comprendidas y dominadas para lograr una identificación coherente y consistente.
Cuando un artista se mueve de un soporte a otro, ya sea de pintura en lienzo a papel o de dibujo a grabado, se enfrenta a cambios significativos en las herramientas, técnicas y materiales utilizados. Esto implica aprender nuevos procesos y adaptarse a las peculiaridades estilo de pintura. La familiaridad con un medio especifico puede llevar mucho tiempo y práctica y cambiar a uno nuevo puede requerir una curva de aprendizaje adicional.
Además de las diferentes técnicas, cada medio tiene su propio lenguaje visual, una forma única de comunicación artística. Al cambiar de uno a otro, el artista necesita adaptarse a nuevas formas de expresión visual. Esto implica desarrollar un nuevo vocabulario artístico y explorar cómo su estilo personal puede traducirse y mantenerse en el nuevo medio.
La adaptación, los «Ejercicios de Estilo» pueden ser necesarios para que un artista se sienta cómodo y seguro al cambiar de soporte o tipo de pintura. Esto implica experimentar con distintas técnicas, explorar nuevas posibilidades y asumir desafíos creativos. A través de la práctica y la exploración, el artista puede descubrir nuevas formas de expresión y desarrollar un sentido de coherencia en su trabajo, permitiéndole mantener su identidad reconocible sin importar el medio utilizado.
El proceso de exploración y mantenimiento profundo de cada técnica y paso también ayuda al artista a desarrollar un conocimiento más amplio y profundo de su propia obra. Al familiarizarse con las distintas texturas, efectos y cualidades artísticas que se pueden lograr en diferentes medios, el artista adquiere una visión más precisa de su propio estilo y las características distintivas de su obra. Esto le permite utilizar estas técnicas y cualidades de manera más intencional y coherente, creando así una mayor identificación y reconocimiento en cualquier medio que elija». (Encinar Martin)
ASÍ SE VE ENCINAR MARTÍN
Mi nombre es Luis Encinar y dibujo y pinto desde la infancia.
Durante los últimos años me he debatido entre dos mundos incompatibles, que constantemente chocan y se contradicen el uno con el otro. En uno, todo fluye de forma natural, espontánea, como si se tratase de un juego; en el otro, los objetivos sólo llegan a través del esfuerzo, la habilidad técnica y el trabajo. Ambos caminos, por sí solos casi siempre están condenados al fracaso.
Unificar juego y trabajo me ha permitido evolucionar, sin renunciar al proceso creativo, asignando a cada escenario, su lugar.
En la actualidad, exploro la magia que subyace en ambos mundos. Ese punto de encuentro, donde se siente el arte y la vida como una unidad indisociable.
ASÍ VEN AL ARTISTA
La Belleza Profunda de Luis Encinar
Luis Encinar Martín, nació en la ciudad de Orduña, de cuyo entorno de orografía monumental y reciedumbre barométrica parece haber asimilado sus cualidades de solidez pictórica, tanto cuando se inclina por la descripción realista como cuando se aleja de la formalidad narrativa para concentrarse en la comunión de insinuaciones emocionales.
De la línea ha evolucionado hacia la metáfora y del impacto instantáneo del color ha progresado hacia la resonancia ralentizada de la reflexión. Encinar es un creador de una pintura de la profundidad.
Del paisaje humano y del entorno urbano ha emigrado hacía la reflexión ecológica y la reserva de la virtualidad del color. Sus líneas son menos previsibles y sus colores se adentran más en sí mismos. En esto consiste la originalidad de este creador que, sin ser fiel a ninguna escuela y sin pretender crearla, abre un estilo pictórico inesperado y casi insólito.
Sus obras más recientes se autodepositan con mayor fuerza en una concentración que le ha ido llevando progresivamente hacia un estado de madurez creadora que trasmite originalidad y belleza. (J.I. Ruíz de Olabuenaga)
CRONOLOGÍA VITAL Y ARTÍSTICA
1972.- Desde muy joven muestra sus dotes para el dibujo como queda constatado en los innumerables premios conseguidos en la multitud de concursos a los que se presenta.
1982.- Abandona los Estudios de Diseño en Bilbao para crear el Taller de Artes Plásticas de Orduña junto a José Luís Abajo (Porrilló) y el añorado Santi Zubizarreta. Produce lienzos de gran tamaño y experimenta con diversos materiales como resinas, pigmentos o aceros.
1995.- Realiza la exposición Mugan en el antiguo edificio de La Aduana de Orduña. Cuadros-escultura y esculturas realizadas en acero
2004.- Funda la Asociación Artístico Cultural «TRANSITO 54», con el fin de difundir y dar cobertura a la obra gráfica y a la fotografía emergente. Este mismo año realiza varios cursos monográficos entre los que destaca un curso en el Museo Guggenheim de Bilbao: “LA UNIDAD DEL DISCURSO ARTÍSTICO DE ROTHKO” impartido por Miguel López Remiro.
2005.- Estudia e investiga en el ámbito de las artes gráficas en el “Taller Múltiple”, (Deusto), de la mano de Maite Martínez de Ar2000 – Tras una larga temporada de reflexión y trabajo sobre lienzos de medio y gran tamaño, realizados con resinas, en óleo y acrílico, organiza una exposición en la Galería de Arte Fournier en Vitoria-Gazteiz.
2008.- Realiza un Curso de Especialización Universitaria en Fotografía Digital y Tratamiento de la Imagen en la Universitat de València.
2011.- Se le diagnostica diplopía en el ojo derecho. Larga convalecencia que le impide dedicarse a la pintura. La lectura de The Simple and Clear Bamboo Manual, le orienta hacia la pintura china y japonesa, donde descubre insólitas e inesperadas formas de expresión.
2012.- El sumi-e le sumerge en un nuevo proceso creativo. Comienza a pintar sobre papel chino Shuen con pinceles y tintas de artesanos orientales.
2013.- Se aventura en el Net-Art. Realiza una serie de digigrafías titulada Literografías. Esta exposición en el Marrazki de Orduña, coincidiendo con la inauguración de los murales de la Foru Plaza, proyecto en el que había participado en sus inicios.
2014.- Cuaderno de Bletisama, editado por dosdeTres de Castellón, con las pinturas sumi-e realizadas en el año 2014 sobre papel chino de arroz.
– Cuaderno Orquídeas silvestres, editado por dosdeTres, con temas orientales cada vez más complejos y personales, sobre papel chino.
2015.- Descubre las acuarelas PRIMATEK de Daniel Smith, colores fabricados con pigmentos obtenidos de minerales semipreciosos molidos de manera muy fina en las series Sombras sobre blanco y Miradas.
– Lleva al límite las posibilidades expresivas de la tinta y de la acuarela. Utiliza líneas en plástico PLA/ABS realizadas en 3D en el aire y montadas sobre la superficie de la obra.
– Curso monográfico de punta seca y resinas bi-componente sobre soportes plásticos impartido por David Arteagoitia – Bilbao.
2017 Realiza un curso ofrecido por Medialab-Prado y UNED: “Arte e Internet. La red como campo de investigación para las nuevas prácticas artísticas.”
– Exposición en el Museo de Orozko de las series Sombras sobre blanco y Miradas, del Cuaderno de Bletisama y el de Orquídeas silvestres.
2018.- Retoma la pintura abstracta que había dejado atrás hace muchos años debido a la diplopía. Lleva a cabo varias exposiciones de gran éxito, las cuales jugaron un papel significativo en su proceso de recuperación durante la convalecencia.
– Expone en la Alhondiga de Orduña (Ver, mirar, sentir).
2019.- Exposición en el Palazzo Bisaccioni. Jesi, Ancona. Italia, donde las obras abstractas capturaron la atención del público y recibieron el reconocimiento de críticos y admiradores del arte. Con motivo de esta exposición fue invitado por la Escuela de Arte de Chiaravalle a dar una charla sobre su trayectoria artística.
<Pulsa la foto para ampliarla>>>
«EXPOSICIÓN RETROSPECTIVA»
Paisajes del pintor Rafael Fernández ZUBIAGA.
(Exposición realizada entre el 23 de junio y el 24 de septiembre de 2023)
El Museo de Orduña presentó esta exposición retrospectiva en homenaje al pintor ZUBIAGA. El pintor orduñés Rafael Fernández Zubiaga nació un 9 de Junio de 1933 y Falleció en agosto de 2022 a los 89 años.
Rafael Fernández ZUBIAGA mostró desde muy pequeño sus dotes artísticas. A los siete años sus dibujos destacan entre los del resto de compañeros de clase y sirven de modelo para los alumnos de toda la escuela. Con nueve años y orientado por su padre, que era zapatero de profesión y dibujante autodidacta, realiza copias ampliadas de fotografías, a lápiz y carboncillo, que llamaban vivamente la atención.
Impulsado por su instinto, a los catorce años comienza a pintar al óleo. Con escasos recursos técnicos, pinta rincones y paisajes de su comarca. En Orduña conoce al artista consagrado Bay-Sala que estaba pintando en la ciudad. Para Zubiaga supuso “el encuentro más importante de su vida”.
Animado y asesorado por el pintor, a los quince años deja el negocio familiar y decide emprender el camino artístico. Viajan a Madrid para visitar museos y galerías de arte, recorren Euskadi pintando paisajes…, cimienta así sus conocimientos técnicos y afianza su vocación artística.
Con diecisiete años inicia su camino en solitario, recorre la Península y el norte de África puliendo sus dotes de paisajista. En sus obras la luz y el color son los grandes protagonistas.
A los dieciocho años realiza sus primeras exposiciones, con gran éxito, en Bilbao y Vitoria. En la capital bizkaina el pintor «Bay-Sala» le da la alternativa y le presenta al mundo artístico como su discípulo: «Me llamó la atención el interés que mostraba aquél chaval rubio por verme pintar; él preguntaba y yo respondía… surgió el discípulo».
En 1956 fija su residencia en Arrasate (Gipuzkoa) y deja a un lado su carrera artística absorbido por el negocio que funda en la localidad cerrajera.
Al final de la década de los noventa, tras 42 años de interrupción, monta de nuevo el caballete, se reencuentra con sus queridos y añorados paisajes Vascos, recorre varios países, y refleja en cada una de sus nuevas pinceladas la renovada alma del artista, que capta los elementos más vivos de la naturaleza, impregnándolos de luz color y perspectiva.
En una entrevista al Diario Vasco en 2017 se decía: ”Desde que a la jubilación desempolvara el caballete, este paisajista que firma como Zubiaga no se ha dado tregua con los pinceles. «He pintado 604 cuadros» recuenta con evidente orgullo. Su producción artística progresa a un ritmo de treinta lienzos al año y ya ha vendido la mitad de sus fondos”.
El artista Gerardo Fontanes escribía en uno de los últimos catálogos de Zubiaga: “La pintura naturalista de Zubiaga tiene elevados riesgos, pero también notables virtudes: tantas como resume el ser obras a primera intención, suscitadas por las propias vivencias y realizadas «in situ» con el propósito de reproducir una imagen o figuración emotivamente atrayente para el espectador”.
El Museo de Orduña/Orduña Hiria Museoa agradece a la familia Zubiaga el préstamo de las obras para realizar esta exposición. Eskerrik asko
<Pulsa la foto para ampliarla>>>
«PINTOR HACIÉNDOSE A SÍ MISMO»
Óleos de Eugenio Herrera
(Exposición realizada entre el 28 de abril y el 18 de junio de 2023)
Eugenio Herrera Sánchez nacido el año 1941 en una familia y aldea humilde de pastores, el pequeño de cuatro herman@s. Es un pintor hecho a sí mismo, autodidacta, nunca ha tenido un maestro o persona que le enseñe.
Nacido en el campo, su afición por la pintura se le despertó de pequeño al quedar impresionado por un cuadro que vio. Con sus escasos medios comenzó a pintar y su ilusión, al ir al pueblo, era encontrar una revista con caras de personas para luego él, en el campo, a su manera, en un papel o en una piedra o donde pudiera, pintarlas.
Su escuela ha sido la naturaleza, los paisajes, los pueblos, las personas, sus caras y siempre la intención de hacerlo mejor y lo más cercano a la realidad que ven sus ojos. Despacio, con mimo, con tranquilidad, sin prisas, con amor a sus pinceles, lienzos, oleos, luces y sombras, fiel a sus pensamientos e ideas. Con una mirada observadora y ávida por aprender y mejorar estudiando muy detenidamente los cuadros de los grandes.
Pasó horas y horas en el Museo del Prado y las galerías de arte de Madrid mientras alternaba el tiempo con el estudio de las primeras televisiones en color de las que se hizo técnico en radio y televisión.
Retratos, retratos a mano alzada, mirando el original y al lado justo, el lienzo en blanco; partiendo de un punto, una línea, una silueta hasta conformar el volumen que adquiere la figura humana, muchos “ires y venires” al lienzo, pausas y pinceladas, paciencia, esperar, observar, una capa sobre otra, horas y horas en la soledad de su buhardilla, hasta lograr una expresión y unos ojos que reflejen el alma de la persona.
Cuenta: lo importante no es “qué se hace” sino “cómo se hace”. “Pinto dentro de mis posibilidades, con la idea de que cuando mires uno de mis cuadros la vista se te quede enganchada y sientas la impresión de que estás dentro del cuadro y puedes caminar por él o de que estés viendo realmente, en ese preciso momento, a la persona retratada”.
“Mi intención cuando pinto es acercarme a la realidad que ven mis ojos y llevarla lo más fielmente al lienzo en blanco; para mí ningún cuadro está terminado, porque todos se pueden mejorar; cuando termino un cuadro pienso y siento que el siguiente puedo hacerlo mejor; el día que no pueda mejorar, dejo de pintar”.
Fue la primera vez en su vida que Eugenio tubo la oportunidad de ver sus cuadros todos a la vez, en la misma sala, en la misma mirada.
<Pulsa la foto para ampliarla>>>
“GURE ARTEAN”
ENTRE NOSOTRAS, EN NUESTRO ARTE
Obras realizadas por 15 pintoras del Taller de Creación Artística de la Asociación de mujeres orduñesas “LORALDI Elkartea”.
(Exposición realizada entre el 13 de enero y el 23 de abril de 2023)
LORALDI ELKARTEA
La asociación de mujeres de Orduña LORALDI Elkartea lleva cerca de cuatro décadas luchando por la igualdad en la ciudad, realizando actividades de diferente índole, como charlas y conferencias sobre temas de interés para las mujeres, videoforos, excursiones culturales, y cursos de diferentes disciplinas entre los que se encuentra el taller de creación artística.
Con esta exposición LORALDI Elkartea mostró una galería de mujeres fuertes, tratadas desde el punto de vista de otras tantas mujeres de diferente profesión, situación económica, social y procedencia pero con un nexo en común: mujeres y que les gusta pintar.
Según sus propias palabras «hemos intentado dar su lugar a esas predecesoras, usar NUESTRO ARTE para reconocer a esas mujeres que vivieron ENTRE NOSOTRAS y que sean referentes de generaciones venideras como lo fueron de la nuestra impulsándonos a ser lo que somos. No están todas las que son, lo sabemos, hubo muchas más; pero sí son todas las que están, empecemos con ellas nuestro reconocimiento».
EXPOSICIÓN
La exposición estuvo dividida en dos secciones principales, TRABAJO y OCIO, y una tercera, EL FUTURO.
En la primera se presentaron una serie de mujeres conocidas por su profesión, aunque en el cuadro puedan estar posando y no trabajando. Si bien las profesiones que desempeñaron pudieron estar dentro del estereotipo, no por ello fueron menos importantes.
La segunda estuvo a su vez dividida en otras dos secciones, DEPORTE y FIESTA, unidas por el hilo conductor del TRANSPORTE. Aquí se presentan varias mujeres en diferentes situaciones del tiempo libre, caminando, en bici, en moto, … pero siempre llevando las riendas de su vida, que es por lo que están en esta exposición.
La tercera parte se basó en una pequeña fusión de todas en lo que han denominado EL FUTURO con mujeres de generaciones posteriores en situaciones semejantes, puesto que “PORQUE FUERON, SOMOS; Y PORQUE SOMOS, SERÁN”.
Acompañando a estos cuadros se expusieron fotografías antiguas, grupales, de mujeres trabajando o de fiesta, que introducen en la exposición manteniendo la forma en que se presentaban, sin eliminar elementos ni añadir pintura. Una pequeña selección de fotografías y otros documentos, así como de los materiales utilizados para la realización de las obras, que tal vez ayuden a entender mejor el proceso. Además se incorporaron fotografías actuales de manos de mujeres trabajando en las obras que conforman esta exposición y de las pintoras de la asociación en el proceso de trabajo.
PROCESO CREATIVO
Todas las obras están realizadas a partir de fotografías, algunas muy antiguas, tanto en color como en blanco y negro. Tras convertir todas a blanco y negro, con fotocopias en efecto espejo, se les aplicaba un gel “transfer” para transferir la imagen al lienzo. Posteriormente se elimina la celulosa del papel y, tras aplicar de nuevo el gel, una vez seco, se pinta sobre la imagen que se ha transferido.
En todas las obras se han seleccionado algún elemento para resaltarlo con violeta, pues el objetivo principal de esta exposición es reconocer el trabajo de estas mujeres que sin saberlo ni quererlo fueron pioneras.
Pincha en las fotos para ampliarlas
«DEMEMORIA»
Pinturas de Pedro Eguiluz
(Exposición realizada del 7 de octubre de 2022 al 8 de enero de 2023)
El Museo de Orduña presentó esta exposición en la Sala Fede Ruiz donde se pudo apreciar una selección de obras de gran formato, así como pequeñas obras sobre papel, a cuyo conjunto fue titulado Pedro Eguiluz como «DEMEMORIA» aludiendo a su proceso de creación que no parte de bocetos.
Pedro Eguiluz es pintor, ilustrador y dibujante nacido en Orduña (Bizkaia) el 7 de abril de 1948.
Pedro empezó muy joven a dar rienda suelta a su pasión por la pintura. Muchos orduñeses recuerdan sus pinturas murales en el «Bar La Cabaña» y en un local parroquial. Pertenece a la segunda promoción de licenciados por la entonces Escuela Superior de Bellas Artes de Bilbao (1971-1976)
A lo largo de su extensa carrera no ha dejado de exponer sus obras en importantes galerías y museos, entre los que podríamos citar: Museo de San Telmo de San Sebastián (1978), Arteder Feria de Bilbao (1983), Centro Montehermoso de Vitoria-Gasteiz (1988), Instituto Cervantes de Casablanca-Marruecos (2001), Museo de Arte de Bogotá (2003), Museo de Ceuta (2008)…
Aventurero, como su esposa Lola Montes, ambos han dejado transcurrir sus vidas por su País Vasco, Canarias, Colombia, Marruecos y ahora Ceuta.
La obra de Pedro Eguiluz ha ido evolucionando desde la figuración, pasando por el expresionismo abstracto y gestual, hasta lo que actualmente su amigo, el artista Monjalés ha denominado conduccionismo, en una trayectoria paralela a la vital.
Jose Luis Gómez Barceló habla de la pintura de Pedro Eguiluz en el prólogo del catálogo de la exposición «Travesías» en el Museo de Ceuta en 2008:
“La obra de Eguiluz es todo línea y todo color. En ese sentido, y si le añadimos su concepción barroquista, para mí conecta con determinados postulados estéticos de artistas españoles como Saura o Gordillo, alejándose de expresionistas abstractos como Guerrero.
No son pocos quienes tratan de encontrar paralelismo con sus coetáneos americanos y algunos de sus precedentes como Pollock, Asger Jorn, De Kooning y Gottlieb, aunque para él sean más determinantes otros artistas europeos, en especial, el holandés Karen Appel”.
Pincha en las fotos para ampliarlas:
«IBA DE PASO»
Fotografías de José Ramón LLano Mendía
(Exposición realizada del 8 de julio al 2 de octubre de 2022)
José Ramón Llano Mendía es un fotógrafo amateur con casi una vida dedicada a la práctica fotográfica. Durante los años ochenta se dedicó básicamente al blanco y negro en modo analógico en su laboratorio casero, participando activamente en concursos y clubes de fotografía. Después de un parón de varios años por motivos laborales, al llegar a su jubilación profesional retomó su afición fotográfica, ya en su modalidad digital, obligándole a una fuerte y novedosa puesta a punto.
Nos presenta esta exposición con el ánimo de hacer balance y con la esperanza de que sea del agrado de todos los que la visiten.
La larga trayectoria de José Ramón Llano harían muy extensa una exposición retrospectiva. Sus intereses dentro de lo fotográfico han ido evolucionando en técnicas y temáticas: desde el blanco y negro al color, desde lo químico a lo digital, desde el retrato al paisaje, transitando por las temáticas más variadas. De tal modo que en esta exposición José Ramón ha optado por mostrar 4 series muy diferentes que podrían ser representativas de su trayectoria.
Siempre vinculado a las asociaciones fotográficas de las que cita su participación en al menos cuatro, en busca de aumentar conocimientos y compartir los suyos con otros más jóvenes. En definitiva, las asociaciones son lugares de pasiones comunes y de amistad.
La exposición contó con 44 fotografías organizadas en cuatro series:
1º.- “RECUERDOS”, se trata de diez fotografías de los años 80, realizadas y positivadas en blanco y negro químico. En su mayoría son retratos, género en el que José Ramón alcanzó gran maestría, en el dominio de la luz y sobre todo en la complicidad con sus modelos que le regalaron poses y gestos singulares.
2º.- “ABSTRACCIONES” , catorce fotografías en las que el autor busca detalles, formas y colores, a veces desapercibidos, mirando el mundo de una forma diferente, conectando con lo intangible y procurando percibir nuevas formas, buscando una vía de expresión de emociones, sensaciones, etc. que le motiven, de una manera especial.
3º “ARQUITECTURAS” en esta serie basada en arquitecturas el autor busca elementos gráficos en la ciudad, procurando darles vida. Sus composiciones experimentan puntos de vista nuevos, ángulos originales, luces, perspectivas, puntos de fuga, ritmos, texturas, geometrías…en definitiva, investigación formal en busca de una estética personal.
4º.- “NATURALEZAS” son diez fotografías en las que procura destacar la belleza de lo natural, el deseo romántico de descubrir lo sublime en el territorio que nos rodea, en sus sorprendentes colores, mimando los encuadres y despreciando elementos disonantes. El reto es difícil porque la naturaleza son espacios a los que acudimos todos a evadirnos y a fotografiarlos compulsivamente, y entre tantas imágenes, resulta un reto desafiante encontrar miradas nuevas.
El título de la exposición “Iba de paso” hace referencia a una doble condición efímera de su proceder fotográfico, espacio-temporal, pasaba justo por allí y precisamente en ese momento, en el que buscaba imágenes.
La visión de José Ramón está educada en la experiencia, en los muchos años paseando al encuentro de algo digno de ser rescatado; discípulo de aquel viejo axioma de Minor White: “Lo que el hombre ve y lo que el hombre encuentra, es tan creativo como lo que el hombre crea”. Seguro que tantos años de pasión fotográfica han moldeado una visión personal, una capacidad de hacer consciente el ver y convertirlo en mirar; una capacidad, cómo también predicaba Minor White, de “poner la mente en blanco” al igual que el escritor, el pintor, el músico… se enfrenta al soporte en blanco antes de su creación. Sin duda José Ramón ha adquirido esta habilidad y es capaz de extraer belleza del objeto, espacio o situación de lo más cotidiano, incluso banal, convirtiéndolos en una imagen poética.
Pincha en las fotos para ampliarlas:
«TRANSFORMACIÓN»
EXPOSICIÓN DE PINTURAS Y ESCULTURAS
Obras de PORRILLÓ
(Exposición realizada entre el 18 de marzo al 3 de junio de 2022)
José Luis Abajo, de nombre artístico «Porrilló», presentó en el Museo de Orduña sus últimos trabajos de pintura y escultura bajo el título «Transformación».
Su largo y ecléctico recorrido artístico culminó con esta exposición estrenada en su ciudad de acogida.
La fuerza y energía que transmiten sus nuevas obras no deja indiferente a nadie. Reflejan el poder de transformación del fuego sobre la naturaleza y, aunque son obras abstractas, su poder de evocación es capaz de despertar las más profundas emociones.
La generosidad y altruismo de Porrilló con Orduña viene de lejos. Participó en aquella mítica escuela de pintura de los 80 que fue cantera de buenos artistas orduñeses. Más reciente fue su aportación a la extraordinaria realización de la exposición permanente en los techos de los hastiales de la Foru Plaza. Además de aportar dos murales, logró la participación de muchos artistas amigos suyos. Hoy constituye un patrimonio artístico de primer nivel para nuestra ciudad.
Los que han seguido la trayectoria artística de Porrilló, en la que ha trabajado todos los géneros, desde el paisaje al bodegón; en etapas con estilos muy diferentes, desde el impresionismo al expresionismo abstracto pasando por el realismo; y con infinitas investigaciones de materiales y técnicas, no dudan en definir a Porrilló como un artista genial.
MUJERES VASCAS DE AYER
(Exposición celebrada del 10/122021 al 13/03/2022)
Fotógrafa Eulalia Abaitua (Bilbao 1853-1943)
Se exhibieron 68 fotografías cedidas por el Euskal Museoa de Bilbao de la considerada primera fotógrafa aficionada vasca.
Fue una ocasión increíble para disfrutar de estos retratos de mujeres vascas del mundo rural fotografiadas a finales del siglo XIX y principios del XX.
Las fotografías de Eulalia Abaitua tienen un innegable valor etnográfico y documental pero también «están los méritos de una mirada propia, de una visión amable, sincera y bella del mundo que le tocó vivir».
«EXPLOTACIÓN LABORAL INFANTIL»
Fotografías de FERNANDO MOLERES
(Exposición realizada del 1 de octubre al 5 de diciembre de 2021)
Fernando Moleres, reputado fotógrafo y documentalista orduñés, que en su larga carrera ha sido merecedor de grandes premios y becas, entre ellos 3 veces ganador del World Press Photo, presentó en su ciudad de origen la exposición «Explotación Laboral Infantil».
Esta exposición es la muestra del trabajo que Fernando realizó durante más de seis años en un extenso proyecto sobre el trabajo infantil en más de 30 países de todo el mundo.
El fotógrafo participó, en el espacio expositivo de sus fotografías, en un interesantísimo Encuentro-Coloquio donde habló de su trabajo de sus obras y de su visión de la fotografía como arte y denuncia, en este caso de la explotación infantil.
